Модерн в архитектуре и модернизм часто путают. На примерах из разных стран разберёмся в деталях и особенностях стиля. Выясним, что называют модерном.
Модерн в архитектуре проявился в 19 веке и находился на пике своей популярности с 1890 по 1910. В каждой стране он назывался по-разному:
Видео демонстрирует прекрасные образцы стиля Модерн в архитектуре:
Модерн в архитектуре Франции (Ар нуво)
Rue-Eugene-Manuel-Paris
Модерн черпает вдохновение из более старых форм искусства:
Модерн в архитектуре: Watts chapel , Англия Возникновение стиля произошло в Великобритании. Его родоначальником считается англичанин Уильям Моррис (1830-1896), основатель движения «Артс энд Крафт». Моррис изучал средневековую архитектуру в Оксфорде, но под влиянием художников пре-рафаэлитов Эдварда Бёрн-Джонса и Данте Габриэле Россетти, он обратился к живописи и письму. Именно его орнаментальные рисунки и манускрипты повлияли на возникновение стиля Модерн в архитектуре 20 века.
В 1861 году Моррис, Бёрн-Джонс и Россетти основали гильдию мастеров изобразительного искусства и начали производить мебель, гобелены, витражи, плитки, ткани и знаменитые обои Морриса. Охватывая широкий спектр декоративно-прикладного искусства, Модерн в интерьере полюбился публике и быстро распространился на архитектуру.
Несмотря на многочисленные названия, это легко узнаваемый стиль. Его основные характеристики:
Богатый красивым декором, стиль модерн открыл новую эпоху, которую назвали Belle époque (Красивая эпоха).
Модерн в архитектуре Франции: rue Sédillot, Paris Модерн в архитектуре представляет собой здания с
Меджународный выставочный центр (The Exposition Hall of the Secession), Вена, Австрия
Модерн в архитектуре, пример Венского сецессиона (арх. Joseph Maria Olbrich, 1873 г.)
Villa Ruggeri, Pesaro, Italy (арх. Giuseppe Brega)
Модерн в архитектуре, пример Либерти (1902- 1907)
Архитектуру модерна отличает отказ от классических линий и углов. Одновременно используются новые материалы для этого времени, такие как металл, бетон, железобетон и стекло. Повышается этажность зданий, увеличивается размер арок, окон, витрин.
Точкой отчёта появления модерна считается Эйфелева башня в Париже, «яркий харизматический пример» (1889 год), высота которой достигла 324 метров.
Стиль модерн уделяет большое внимание комфорту, снабжая здания лифтами и центральным отоплением. Он был порождён индустриальным обществом и отвечал его запросам.
В этом стиле строились не только церкви и жилые дома, но также вокзалы, мосты и промышленные павильоны.
Модерн в интерьере: Tassel House, Brussels (арх. Виктор Орта) Архитектурный стиль модерн стремился отвечать практическим потребностям, но часто этому мешало нагромождение украшений. Напротив, Северный модерн (дат. Nationalromantik — национальный романтизм; Элиэль Сааринен) был более суровый, осмысленный и сдержанный, обращался к национальным истокам и абсолютно подчинялся функциональным требованиям.
В скандинавских странах присутствовали фантазии на тему викингов и элементы местного народного искусства.
Северный Модерн: Dalen Hotel, Norway Особую известность получил северный Модерн в Финляндии за свою чрезвычайную простоту и функциональность.
Центральный железнодорожный вокзал в Хельсинки, Финляндия (арх. Элиэль Сааринен) Северный модерн в Санкт-Петербурге потерпел влияние шведской и в особенности финской архитектуры, став основным течением в строительстве города в начале 20 века.
Такое название стиля используется исключительно искусствоведами России. Он возник вследствие развития связей с Финляндией и Швецией. Ведущими представителями Северного модерна в России можно назвать Николая Васильева, Фёдора (или Фридриха) Лидваля, Роберта Мельцера и других архитекторов, которые украсили город своими творениями.
Северный Модерн в Санкт — Петербурге: жилой дом Справедливости ради отметим, что это направление позже было подвергнуто нелюбезной критике националистского характера. Почему-то настоящим национальным стилем Питера некоторыми деятелями был провозглашён , а Северный модерн назван «чухонским». Странно, не правда ли?
Москва не стала исключением. Московский Модерн узнаваем по деталям. Короткая эпоха расцвета стиля была очень продуктивна и оставила хорошо сохранившиеся шедевры на улицах города.
Модерн в архитектуре Москвы: особняк Дерожинской Одна из основных работ модернового архитектора Фёдора Шехтеля, являющаяся памятником архитектуры — особняк Дерожинской А.И.. Им же была сделана пристройка нового фасада к старому зданию Ярославского вокзала с элементами Северного модерна, но решённого в Неорусском стиле.
Автор: Sergey Ashmarin — Yaroslavsky Train Terminal / Moscow, Russia , CC BY-SA 3.0 , Ссылка
Выдающимися примерами являются
Московский модерн создали целый ряд архитекторов, в числе которых Ф. О. Шехтель, Клейн Р. И., Фомин И. В..
Видео по теме
Разнообразие столь велико, что порой их сложно чётко классифицировать даже специалистам. Тем более, что в среде искусствоведов Запада и России нет единого взгляда на многие вещи.
Свою лепту в путаницу вносит перевод терминов. Например, для в англоязычных изданиях применяют термин «modern architecture», но относится она к модернизму. К относят направления, которые возникли в противовес романтике модерна.
Мы рассмотрели стиль модерна в архитектуре на примере разных стран, в том числе и Испании, где этот стиль называют модернизмом.
Чтобы не потерять, заберите статью к себе на сену в соцсетях
В массовом сознании есть твердое представление, что настоящий ХХ век в рус-ской культуре начинается в 1910-е годы. С авангарда, который выводит русское искусство в европейский мир, и этот авангард и есть наш вклад, наш бренд и вообще наше все. И совсем редко вспоминают о тех, кто этот торжествую-щий выход на интернациональные просторы подготовил. Ну разве что о Дяги-леве и его Русских сезонах, которые с 1907 года проходили на Западе с триум-фом. Но та эстетика, которой восторгались европейцы в дягилевских гастроль-ных балетах, была сформирована кругом художников, входивших в объедине-ние «Мир искусства». Они смогли перенастроить оптику восприятия искусства, произвести в нем негромкую, но существенную революцию. И это был трамп-лин для тех, кто пришел потом и, естественно, отнесся к предшественникам пренебрежительно.
Борис Кустодиев. Групповой портрет художников общества «Мир искусства». 1916-1920 годы Государственный Русский музейКруг был совсем узкий. Всего несколько человек составили ядро объединения «Мир искусства», которое в 1898 году стало издавать одноименный журнал. Это были художники Александр Бенуа, Константин Сомов, Лев Бакст, Евгений Лансере, Мстислав Добужинский, Анна Остроумова-Лебедева. И конечно, Сергей Дягилев, антрепренер, импресарио, мотор и пружина всех мирискусни-ческих инициатив. Кроме того, были литераторы — отдел критики, которым руководил Дмитрий Философов. Там печатались Мережковский, Гиппиус, Розанов, Сологуб, Брюсов, Бальмонт, Белый — но потом литераторы разруга-лись с художниками и ушли в журнал «Новый путь». В этом узком кругу боль-шинство еще связано то родством, то гимназической дружбой. И собственно «Мир искусства» родился из совсем камерного кружка, названного в честь романа Диккенса «Посмертные записки Пиквикского клуба», — «Невские пиквикианцы». В этом кружке друзья читали друг другу лекции по истории искусства. Мистером Пиквиком там был, вероятно, Александр Бенуа, который очень годился на эту роль даже внешне: круглый, укладистый.
Фотопортрет в группе художников «Мир искусства». 1914 год
На фотографии вверху чернилами проставлены номера — от 1 до 18, на обороте пояснение: «Годовое собрание о-ва художников „Мир искусства“. Присутствующие: 1. М. В. Добужинский. 2. А. Ф. Гауш. 3. О. Е. Браз. 4. Н. К. Рерих. 5. И. Я. Библибин. 6. Б. М. Кустодиев. 7. В. В. Кузнецов. 8. П. В. Кузнецов. 9. Е. Е. Лансере. 10. Н. Е. Лансере. 12. Н. Д. Милиоти. 13. А. П. Остроумова-Лебедева. 14. К. С. Петров-Водкин. 15. А. И. Таманов. 16. Кн. А. К. Шервашидзе. 17. С. П. Яремич. 18. М. И. Рабинович». Российская государственная библиотека
На склоне лет Бенуа, уже эмигрировавший во Францию, написал два тома мемуаров. Он вспоминал детство и детские увлечения: коллекции игрушек, картонные модели городов, любовь к оптическим игрушкам вроде волшебного фонаря. И говорил, что именно это все определило его отношение к искусству как к волшебству: искусство должно быть не похоже на жизнь. Потому что жизнь не радует, она монотонна, она неприятна глазу.
И мирискусники, с одной стороны, хотят уйти от жизни в какие-то отвлечен-ные миры. Где эти миры? В прошлом. А откуда мы что-то знаем о прошлом? Мы видим его в образах искусства, и именно они нас вдохновляют. Мирискус-ников искусство интересовало гораздо больше, чем жизнь. Искусство прош-лого, которое способно порождать другое искусство, новое. Их интересовала не история как она есть, а ее образы — сочиненные, летучие, случайные. «Ретроспективные мечтания», «галантные празднества», «царские охоты» — никаких больших идей, а просто острое переживание атмосферы ушедшего времени. Уход от действительности, своего рода эскапизм.
Но, с другой стороны, этот непривлекательный, рутинный современный мир можно ведь и переделать, переформатировать, сделать его иным для глаза, для визуального восприятия. Спасти красотой: то есть изменить интерьеры, книги, здания, одежду. Чтобы не только искусство, но и повседневный быт стал дру-гим. Такая получается парадоксальная комбинация эскапизма с рефор-матор-ством и дизайнерством. И надо сказать, что эта грандиозная задача — ни много ни мало как изменить вкус целой эпохи — этим нескольким людям во многом удалась. Буквально через 10 лет русская публика, до того воспитан-ная на пове-ствовательных картинах с внятным сюжетом — передвижнических или акаде-мических, — оказалась готова принять русский авангард.
Теперь поговорим о том, в каких областях мирискусники особенно преуспели. Они, например, совершенно изменили облик театра, особенно музыкального. До них художнику в русском театре делать было просто нечего: все декорации брались, что называется, «из подбора», то есть из числа заранее готовых стан-дартных декораций: вот это для любого спектакля из средневековой жизни, а это — для любого из египетской. Мирискусники работали с каждым спектак-лем индивидуально, с реставраторской точностью. Благодаря им художник в театре сделался фигурой, равной режиссеру, — Бенуа даже сам писал ли-бретто.
Костюмы и декорации Леона Бакста к балету «Шехеразада». 1910 год Library of Congress
Декорации и костюмы к балету «Петрушка». Начало XX века Library of Сongress
Костюмы к «Половецким пляскам» из оперы «Князь Игорь». 1900-е годы Library of Сongress
А еще они полностью изменили облик иллюстрированной книги. Раньше в та-ких книгах иллюстрации заказывались разным художникам и стилистически спорили друг с другом внутри книжного блока. Мирискусники выдвинули и воплотили идею книги как единого целого: изображение должно быть увя-зано с текстом, все виньетки и заставки должны работать на общую стилисти-ку, художник выступает как режиссер и декоратор целостного зрелища. Впер-вые эта идея синтеза была осуществлена в издаваемом ими журнале «Мир ис-кусства», речь о котором впереди.
Обложка «Азбуки в картинах» Александра Бенуа. 1904 год benua-memory.ru
Иван Билибин. Обложка программки оперы «Борис Годунов». 1908 год Library of Сongress
Обложка «Азбуки „Мира искусства“» Мстислава Добужинского. 1911 год moscowbooks.ru
Всего сделанного мирискусниками не перечислить: там было много «микро-революций». Но еще об одном интересно напомнить: ведь это они определили наше сегодняшнее восприятие Петербурга; в 1903 году праздновалось его двух-сотлетие, и стилистика праздника во многом была подготовлена мирискусни-ческими усилиями по изменению имиджа столицы. До них Петербург вообще не считался красивым городом. У него было два публичных образа — один неприятнее другого. С одной стороны, это был образ города казенного, чинов-ного — в противовес живой, фрондирующей, более разнообразной и свободной Москве. С другой стороны, это был город Достоевского: город дворов-колодцев и вечных сумерек. Все это изменилось усилиями мирискусников — отчасти Мстислава Добужинского и главным образом Анны Остроумовой-Лебедевой. Есть такая расхожая фраза, что русскую природу придумали Саврасов, а потом Левитан: до них ее не существовало как объекта для зрения. Так вот, можно сказать, что Петербург придумала Остроумова-Лебедева.
Анна Остроумова-Лебедева. Вид Невы сквозь колонны Биржи. 1907 год Фотография РИА «Новости»
Мстислав Добужинский. Гримасы города. 1908 год Фотография Михаила Филимонова / РИА «Новости»
Анна Остроумова-Лебедева. Петергоф. Фонтан «Самсон». 1922 год Фотография Алексея Бушкина / РИА «Новости»
И характерно, что она сделала это в гравюрах. Мирискусники еще и возродили графику как самостоятельное искусство. В России графика была подсобной: сводилась к этюдам и эскизам для картин, а на выставочную самостоятель-ность почти не претендовала. И графика, печатавшаяся в журналах, часто не была сделана специально, а сводилась к репродукциям живописных картин. А мирискусники возродили не только уникальную графику, авторский рису-нок, но и графику тиражную, в частности Остроумова-Лебедева занималась цветной гравюрой на дереве и отталкивалась от японских гравюр, которые в России мало кто знал.
Ядро «Мира искусства» составляли, конечно, разные художники. Но какая-то общая поэтика, их объединяющая, тем не менее была. Квинтэссенция этой поэ-тики — в творчестве Александра Бенуа и Константина Сомова.
Любимые эпохи Бенуа — это в основном Франция XVII века, царствование Людовика XIV и Россия екатерининского и павловского времени. «Версальская серия» и цикл «Последние прогулки Людовика XIV» Бенуа — это сочиненный, хрупкий марионеточный мир. Важно, что это и не масляная живопись, а гуаши на бумаге: нет живописной плотности, беспрекословности, натурной обяза-тельности. Это не исторические картины, а исторические картинки. Что такое историческая картина, например, в духе Сурикова? Это какая-то идея о смысле истории, спрессованном в конкретном событии. А если бы художник «Мира искусства» писал «Утро стрелецкой казни», он, вполне возможно, смотрел бы не на стрельцов или на Петра, а на пролетающую мимо сороку. Исторические жанры у Бенуа — это всегда случайно выхваченный фрагмент, в котором нет главного события, а вместо него только воздух истории. Та же острота и слу-чайность ракурсов есть в «Царских охотах» Валентина Серова и в его гуаши «Петр I». Здесь гротескные фигуры огромного Петра и скорчившихся придвор-ных на фоне условных «пустынных волн» сочетают иронию с чувством истори-ческого масштаба. Серов не случайно входил в правление «Мира искусства» — единственный из москвичей: они хорошо понимали друг друга.
Александр Бенуа. Прогулка короля. 1906 год
Валентин Серов. Выезд Екатерины II на соколиную охоту. 1902 год
Валентин Серов. Петр I. 1907 год
В отличие от Бенуа, который вдохновлялся конкретной историей, Сомов в своих стилизациях воспроизводил некий условный галантный век — XVII или XVIII, неважно. Маркизы с кавалерами, арлекины и другие герои итальянской комедии дель арте, маскарады, спящие или грезящие «дамы прошедшего вре-мени». Насмешки здесь больше, чем растроганности или печали по утрачен-ному. Но печаль тоже есть — только это печаль не по утра-ченному, а по недо-стижимому: по тому, что принадлежит не жизни, а искус-ству. И постоянная его тема — тема того, что вспыхнет и сейчас же исчезнет: радуга, фейерверк, костер. Конец праздника, всегда краткого, как вспышка.
Константин Сомов. Арлекин и Смерть. 1907 год
Государственная Третьяковская галерея
Современники считали главной картиной Сомова «Даму в голубом» — портрет художницы Елизаветы Мартыновой, написанный незадолго до ее смерти от ча-хотки. Печальная девушка в муаровом платье по моде сороковых годов XIX века стоит с книгой, за ее спиной в сильном удалении — книжное видение: кавалер и дама флиртуют на скамейке, а мимо проходит фланер с тросточкой, похожий на самого художника. Картина о тщетности романтических порывов в прозаи-ческом мире: именно так ее восприняли первые зрители.
Константин Сомов. Дама в голубом. Портрет Елизаветы Мартыновой. 1897-1900 годы
Wikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея
Среди мирискусников были и вовсе чуждые ностальгии. Например, Леон Бакст — он главным образом реализовался как художник дягилевских Русских сезонов. От его костюмов для балетных спектаклей потом отталкивались кутюрье всех модных домов Парижа — Пакен, Пуаре, Ворт, далее везде. Или Добужинский — он, в отличие от товарищей, станет работать не в музыкаль-ном, а в драматическом театре, в МХТ со Станиславским. И сделает там несколько спектаклей, из которых особенно замечательны два. Один, «Месяц в деревне» по Тургеневу, — спектакль мирискуснический, антикварский. Дру-гой, «Николай Ставрогин» по Достоевскому, — спектакль мрачный и вполне символистский. Вообще Добужинскому не чужд символистский вкус, а среди его поздних работ есть даже абстракции.
Леон Бакст. Саломея. 1908 год Wikimedia Commons
Леон Бакст. Жар-птица. 1910-е годы Wikimedia Commons
Леон Бакст. Аладдин. 1919 год Wikimedia Commons
Леон Бакст. Бабочка. 1913 год Wikimedia Commons
Гуаши Добужинского и ксилографии Остроумовой с видами Петербурга рас-пространялись в открытках, выпускаемых Общиной святой Евгении. Выпуск открыток — еще одна важная часть мирискуснической программы. Открыт-ки — искусство массовое, многотиражное, сувенирное. А мирискусники прин-ципиально не устанавливали дистанции между искусством массовым и искус-ством высоким.
Вообще в мирискусниках реализовался совершенно новый для России тип ху-дожников. Во-первых, они дилетанты. Кто-то не доучился в Академии худо-жеств, кто-то немного походил вольнослушателем по парижским частным студиям. Но практически все и отовсюду сбегали, потому что им было скучно нормативное рисование и нормативное образование.
Во-вторых, все они интеллектуалы — что тоже русским художникам в массе тогда было совершенно не свойственно. Они читающие люди, они знают язы-ки, они космополиты по устремлениям, они меломаны и устраивают вечера современной музыки при журнале «Мир искусства».
В-третьих, они все буржуа. Вообще традиционно буржуазный образ жизни противопоставлялся образу художника — романтическому образу, — а мир-искусники на нем настаивают. Притом что все они разного происхождения: Бенуа из дворянской семьи с французскими корнями, Сомов — сын главного хранителя Эрмитажа, то есть из интеллигентной профессорской семьи. А, ска-жем, Бакст — еврей из Гродно, и это совершенно никому не мешает: они все говорят на одном языке, и манера поведения у них общая.
И в этой манере поведения есть один очень важный оттенок. Вся вторая поло-вина XIX века в русском искусстве, условно передвижническая половина, осно-вывается на пафосе долга. Художник всегда оказывается обязан: народу, обще-ству, культуре — кому и чему угодно. Мирискусники — это первые люди в рус-ском искусстве, которые утверждают, что художник никому и ничего не дол-жен. Лейтмотив их жизни, их творчества — это ода капризу и прихоти, воль-ному артистическому жесту. Отсюда уже совсем недалеко до вольного жеста в авангарде, но начало — здесь.
Обложка одного из номеров «Мира искусства». 1904 год Wikimedia Commons
Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1903 год Wikimedia Commons
Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1900 год Wikimedia Commons
Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1902 год Wikimedia Commons
Любимое слово мирискусников — «скурильность». Они любят в искусстве все скурильное и собирают скурильное. Что это такое? Это вещи, которые не обла-дают качеством значимости, фундаментальности. Это что-то смешное, одино-кое, уязвимое, это может быть игрушка, это может быть какой-нибудь мещан-ский коврик. Этот культ необязательности — тоже важный оттенок в их кол-лективной программе.
Художник Игорь Грабарь писал Александру Бенуа: «Вы слишком влюблены в прошлое, чтобы хоть что-нибудь современное ценить» — и это абсолютно справедливо. Прошлое, в которое они влюблены, — это прошлое выдуманное, это мечта, это некий образ красоты, на который мы можем смотреть, как из зрительного зала в перевернутый бинокль. И в этом есть и любование, и ирония, и горечь, и жалость.
И вот эти люди — с этой системой ценностей, совершенно камерного склада люди, — хотят перенаправить русскую культуру в сторону Запада и изменить устоявшиеся общественные вкусы. Для этого они издают журнал, который делается по образцу европейских журналов, пропагандирующих стиль модерн. Потому что эстетика «Мира искусства» — это именно вариант модерна.
В каждой из стран этот стиль назывался по-своему: модерн, сецессион, либер-ти, ар-нуво, югендстиль. Проще говоря, «новый стиль». Слово «стиль» само по себе важно — оно означает озабоченность формой. В каждой стране модерн существует в собственных формах, но есть общее: формы берутся из всего культурного запаса человечества, из общей памяти. Это общее служит опорой для индивидуального, прошлое порождает настоящее. В русском искусстве, да и не только в русском, до мирискусников никакой озабоченности формой не было, только содержанием, — и стиля не было.
Модерн — придуманный стиль, он не вырастает сам собой. Если говорить со-всем грубо — он порожден промышленной революцией. Машинное производ-ство одинаковых вещей и одинаковых образов жизни вызывает психологиче-ское и эстетическое отторжение. И первая идея модерна — это идея ручного труда. Сначала в Англии возникло так называемое Движение искусств и ре-месел под началом литератора, издателя и художника Уильяма Морриса. А затем в разных странах появились его филиалы. У них была двойная идея. Во-первых, сделать вещи красивыми, индивидуальные вещи, а не конвейерные. А во-вторых, объединить ремесленников в деле производства этих вещей. Ран-ний модерн вообще очень связан с социалистическими идеями.
Таким образом, ранний европейский модерн был двунаправленным. С одной стороны — архаический, реставрационный вектор: вокруг строят гигантские фабрики, а мы вернемся назад, к ремеслу, к средневековым цехам. И одновре-менно он же является вектором футуристическим, потому что все это делается во имя утопического будущего. В перспективе весь мир должен быть спасен красотой и превратиться в сплошной город-солнце.
Но вернемся к мирискусникам. Чтобы издавать журнал, нужны спонсоры. Кто дает им деньги? Неожиданная деталь: значительную сумму дал Николай II — потому что его попросил Валентин Серов, писавший портрет императора. Но были и два постоянных спонсора. Первый — предприниматель и меценат Савва Мамонтов, который, впрочем, к 1899 году разорился. Второй — княгиня Мария Тенишева, она будет субсидировать издание до финала. И Мамонтов, и Тенишева были инициаторами российской программы, аналогичной Движе-нию искусств и ремесел. В своих имениях — один в Абрамцево, вторая в Талаш-кино — они создавали художественные мастерские. Известно, что у Мамонтова Врубель расписывал балалайки и камины — но это не было никаким неуваже-нием к художнику, ровно наоборот. И неудивительно, что именно эти два человека поддерживают Бенуа и Дягилева.
Михаил Врубель. Портрет Саввы Мамонтова. 1897 год Wikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея
Михаил Врубель. Валькирия (Портрет княгини Марии Тенишевой). 1899 год Wikimedia Commons / Одесский художественный музей
Журнал издавался шесть лет, с 1898-го по 1904-й. Среди дочерних его пред-приятий были и салон «Современное искусство», где торговали мебелью, фарфором и так далее, и кружок «Вечера современной музыки», и еще один журнал, «Художественные сокровища России», с тем же Бенуа в роли редак-тора. Устраивались выставки российского и зарубежного искусства — их было пять, а еще три устроил Дягилев до выхода журнала. Дягилев вообще был движущей силой всех инициатив — человек неуемной энергии и выдающихся организационных талантов. Среди самых громких его проектов — историческая выставка русского портрета, на которой он практически открывает публике отечественное искусство XVIII — первой половины XIX века. Дягилев сам соби-рал на эту выставку работы, объезжая усадьбы и буквально обольщая владель-цев. В 1907 году он проводит в парижской Гранд-опера серию концертов рус-ской музыки, и отсюда начинается история последующей более чем двадцати-летней антрепризы — знаменитых Русских сезонов.
Леон Бакст. Портрет Сергея Дягилева с няней. 1906 год
Wikimedia Commons / Государственный Русский музей
Дягилев уезжает за границу, и практическая деятельность объединения остается на Александре Бенуа, а он идеолог, но не организатор. И в «Мире искусства» наступают не лучшие времена. Но парадоксальным образом вероятность быстрого заката была заложена в самой программе сообщества. Потому что эти люди, дорожащие дружбой в собственном узком кругу, в художественной политике исповедовали предельную широту и толерант-ность. Они готовы были сотрудничать со всеми и привлекать в свои проекты всех. Всех, в ком видно хоть что-то живое — даже если это живое видно едва и самим мирискусникам чуждо. В первом номере журнала было много репро-дукций картин Васнецова, хотя среди издателей не было его поклонников и вообще «Мир искусства» выступал против передвижничества. Они были уверены, что Репин устарел, но публиковали репродукции его картин, призна-вая их значение. А ведь уже начинается эпоха манифестных войн, когда при-нято размежевываться, воевать за свой взгляд на мир и творческую оригиналь-ность. В этих условиях идея всеобщего объединения во имя эстетической уто-пии становится очень уязвимой.
После представления балета «Петрушка» в Парижской опере. 1920-е годы
Слева направо: Николай Кремнев, Александр Бенуа, Борис Григорьев, Тамара Карсавина, Сергей Дягилев, Вацлав Нижинский и Серж Лифарь. ullstein bild / Getty Images
Но в 1904 году во имя этой идеи объединения мирискусники совершают силь-ный жест — они отказываются от собственного бренда и входят в московский Союз русских художников. Там солируют пейзажисты саврасовско-левитанов-ской линии, там в моде импрессионизм, петербургским художникам чуж-дый, — и, конечно, никакого объединения не получается. В 1910 году «Мир искусства» восстанавливает собственное имя. Но мирискусники не отказы-ваются от идеи самого широкого сотрудничества, и теперь на их выставках можно встретить и символистов из «Голубой розы», и фрондеров из «Бубно-вого валета», и вообще кого угодно — вплоть до Малевича.
Бенуа избегает властных полномочий, поэтому в 1910 году главой «Мира ис-кусства» становится Николай Рерих, человек и художник совершенно иного, практически враждебного истинным мирискусникам склада. А в 1921 году объединение и вовсе возглавит Илья Машков, самый беспардонный из «бубно-вых валетов» — он просто узурпирует бренд. Но это будет уже посмертное существование, хотя формально «Мир искусства» будет распущен лишь в 1924 году. К тому времени из его основателей никого уже не останется в России, кроме Бенуа (он тоже вскоре эмигрирует), Лансере и Остроумовой-Лебедевой.
Николай Рерих в тибетском костюме. 1920‑е годы
The Library of Congress
Надо сказать, что идеологи и создатели «Мира искусства» отчасти осознавали эфемерность своей затеи. Они чувство-вали наступление другой жизни и появ-ление других людей, которые вытеснят их самих с культурного поля. Это чувство было ясно сформулиро-вано в речи Дягилева, произнесенной еще в 1905 году. И эту вполне проро-ческую речь стоит привести:
«Не чув-ствуете ли вы, что длинная галерея портретов великих и малых людей, которыми я постарался заселить вели-колепные залы Тавриче-ского дворца, есть лишь грандиозный и убедитель-ный итог, подводи-мый блестящему, но, увы, и омертвевшему периоду на-шей истории? <…> Я заслужил право сказать это громко и определенно, так как с послед-ним дуновением летнего ветра я закончил свои долгие объезды вдоль и поперек необъятной России. И именно после этих жадных странствий я особенно убедился в том, что насту-пила пора итогов. Это я наблюдал не только в блестящих образах предков, так явно далеких от нас, но главным образом в доживающих свой век потомках. Конец быта здесь налицо. Глухие заколоченные майораты, страшные своим умер-шим великолепием дворцы, странно обитаемые сегодняшними милы-ми, средними, не выносящими тяжести прежних парадов людьми. Здесь доживают не люди, а доживает быт. И вот когда я совершенно убедился, что мы живем в страшную пору перелома; мы осуждены умереть, чтобы дать воскреснуть новой культуре, которая возьмет от нас то, что оста-нется от нашей усталой мудрости. Это говорит история, то же подтвер-ждает эстетика. И теперь, оку-нувшись в глубь истории художественных образов и тем став неуязвимым для упреков в крайнем художественном радикализме, я могу смело и убежден-но сказать, что не ошибается тот, кто уверен, что мы — свидетели величайшего исторического момента итогов и концов во имя новой неведомой культуры, которая нами воз-никает, но и нас же отметет. А потому, без страха и неверия, я подымаю бокал за разрушенные стены прекрасных дворцов, так же как и за новые заветы новой эстетики».
Модерн в архитектуре - новый стиль, зародившийся в Европе в конце 19-го века (1890-е гг.) и продолжавший свое развитие до Первой мировой войны. Особенно ярко он проявился при строительстве особняков и индустриальных зданий.
Пожалуй, самым известным представителем стиля модерн в архитектуре является испанец Антонио Гауди. Его замки из песка известны во всем мире. Большинство своих неземных построек он воздвиг в Барселоне.
В каждой стране архитектурный стиль приобретал свои отличительные черты. Например, выделился русский модерн в архитектуре. Он следовал уже общепринятым моделям, обогатил стиль традиционными народными мотивами.
Модерн в архитектуре зародился во время общественной индустриализации. Это означало, что существует потребность в зданиях вокзалов, промышленных предприятий, торговых палат, бирж, банков. Строительство частных особняков при таком раскладе отходило на второй план, но, несмотря на это, до наших дней сохранилось множество зданий.
Модерн стал последним классическим стилем в архитектуре.
Основные черты модерна в архитектуре - это декоративность и рациональные конструкции. Зодчие стали использовать множество новых материалов - стекло, железобетон, керамику для облицовки зданий.
Практическое назначение строений на глаз определить было практически невозможно, потому что во главу угла ставились эстетические принципы, красота и декор.
Основной задачей архитекторов было создать единение внешнего и внутреннего убранства здания. Поэтому все продумывалось до мелочей. Лестницы, террасы, молдинги, карнизы украшались причудливыми цветами, листьями и представляли собой линии волнообразных форм.
Основные особенности стиля модерн в архитектуре - это:
Архитектура эпохи модерна стремительно переосмысливала старые и открывала новые художественные формы и приемы. Ее представители ломали существующие рамки и выходили за границы разумного, создавая свои творения.
Эпоха длилась несколько десятилетий, но за это время было создано очень много по-настоящему великих сооружений. У каждого из них были свои черты и особенности. Во многом это объясняется тем, что стиль модерн имел несколько направлений:
В России формировались свои особенные черты модерна.
Модерн в архитектуре России, а точнее - ее северных областей, развивался с начала ХХ века. Это происходило под влиянием шведского и финляндского искусств в основном в Санкт-Петербурге. В современной истории этот стиль известен как северный модерн.
В широком значении понятия - это обращение к национальным истокам, переосмысление средневековой архитектуры Балтики. Возникновение стиля связано с именем С. П. Дягилева, который в 1898 году организовал ряд художественных выставок финских и шведских мастеров. Русские творцы были вдохновлены работами своих коллег, "национальных романтиков" - А. Цорна, К. Ларсона, А. Галлена-Каллела.
Кроме того, архитектор из Финляндии, знаменитый Элиэль Сааринен часто бывал в Петербурге и был членом академии художеств этого города. Именно под его влияние попадают зодчие Российской империи.
Уже в 1904 году в Санкт-Петербурге был построен дом И. В. Бессера. Проект создал финский архитектор А. Шульман.
С 1901 по 1907 год возводил строения по своим чертежам зодчий шведского происхождения - Федор Лидваль. Разумеется, творил он, также вдохновленный работами зарубежных архитекторов. Ими были: Г. Классон, Ф. Боберг.
Следующим мастером, внесшим вклад в формирование северного модерна, был Роберт Мельцер. Модерн в архитектуре Санкт-Петербурга на раннем этапе не имел черт эклектичности. Это появилось позднее. Поэтому особняки Мельцера на Каменном острове (например, Фолленвейдере) облицованы гранитными блоками, украшены простой орнаментной лепкой и в большинстве своем имеют прямоугольные башни.
Модерн в архитектуре Петербурга позднего этапа привлекал все больше молодых мастеров. Среди них был Николай Васильев. Он создал более десяти проектов для улиц города, например, Казанскую церковь, Соборную и кафедральную мечети, цех ниточной мануфактуры. В этих зданиях преобладают восточные мотивы.
После 1914 года стиль модерн в русской архитектуре севера подвергался критике. В частности его декоративные элементы. Поэтому зодчие предпочитали пользоваться рациональными приемами.
Главными приметами стиля в Северной столице были:
Русский модерн в архитектуре имел ярко выраженные национальные черты. Философия этого стиля начала формироваться в Абрамцевском кружке, который представлял собой сообщество людей, творчески одаренных. Центральной его фигурой был С. Мамонтов - меценат и промышленник.
Еще до того, как был создан целостный архитектурный образ, черты модерна появились в здании церкви работы Поленова и Васнецова.
Еще одним центром возрождения национального величия было поместье Телашкино под Смоленском, где были организованы столярные, гончарные, вышивальные мастерские.
В отличие от Петербургской архитектуры этого периода, в Москве преобладали частные постройки особняков, которые претерпевали трансформацию в соответствии со стилем. Одним из маститых архитекторов того времени был Федор Шехтель. Именно по его проекту был построен первый модерновый особняк в Москве. Это был дом З. Г. Морозовой, возведенный в 1893 году. М. Врубель написал несколько панно для этого особняка.
Модерн в архитектуре Москвы представлен довольно широко. Классическим примером является особняк С. П. Рябушинского, коллекционера. Шехтель украсил светло-желтые фасады сиреневой мозаикой с изображением ирисов, установил на окна разной формы кованые решетки с цветочными мотивами.
Внутренней отделкой также занимался архитектор. Все там подчинено закону морской волны: и мозаика на полу, и лепнина на потолке, и изгибы лестниц.
Зачастую над фасадом и интерьером работали абрамцевские мастера, которые создавали тематические картины и прекрасную облицовочную керамическую плитку.
Модерн в архитектуре России имел ряд особенностей, среди которых:
Каждый регион страны тяготел к какому-то своему направлению. В Москве это был неорусский стиль.
В этих странах стиль имел название "ар-нуво". Начиная с 1880-х годов, в искусстве назревали перемены, шокирующие своей новизной. Впервые это проявилось в Доме Тассель архитектора Виктора Орте в 1892 году.
Самой изысканной его работой считается отель "Сольвей", возводившийся с 1894 г. по 1900 год. Комнаты в нем отделены съемными стенами из стекла, ну а главная роль отведена лестнице, как и во всех прочих проектах архитектора.
Французским ведущим архитектором стиля был Гектор Гимар, получивший образование в Школе декоративного искусства и в Школе изящных искусств. Во время поездки в Брюссель он был вдохновлен работами Орты. Вернувшись на родину, он тут же в корне поменял проект уже строящегося здания, известного как Кастель Беранже. В результате появился фантастический лестничный пролет с металлическим каркасом из железа, плитки и стеклянных элементов. В украшении фасада были использованы: кирпич, песчаник, щебень и глазурованная керамическая плитка.
К его проектам относятся павильоны метрополитена, Дом Куалльо и множество других вилл и особняков.
Модерн в этих странах зазвучал как югендстиль. Одним из первых представителей был венский архитектор И. М. Ольбрих. Его твердой руке принадлежат несколько домов с изощренными орнаментами и статуями: Свадебная башня, своим образом отсылающая к средневековью, Дом венского Сецессиона.
Германия была центром развития текстиля, внутренних украшений для дома, деревянной мебели. В меньшей степени там процветала архитектура 19 века. Модерн выступал против официальных вкусов Академии искусств.
Ведущим венским архитектором был Отто Вагнер, у которого и учился Ольбрих. Начиная с 1894 года, он выступал в Венской академии с лекциями, в которых призывал отказаться от исторически выдержанных стилей. Свои мысли на этот счет Вагнер выразил в нескольких своих книгах.
Принципы новой архитектуры выразились в его сооружениях: вокзалах метро Вены, доходном доме Майолика-Хаус, зданиях почты и сберкассы. Церковь святого Леопольда была построена по проекту, отличающемуся более фантастическим стилем. Вагнер использует позолоченную медь не только для куполов, но и в отделке. Там преобладают фигуры ангелов, венки, статуи святых. Здание облицовано беленым мрамором, украшено цветным стеклом и мозаикой.
Многие архитекторы из этих стран вдохновлялись трудами своих английских коллег. Например, Йозеф Хоффман. Он построил дворец Стокле после своей поездки в Англию, но, несмотря на обилие деталей, присущих архитектуре этой страны, более заметным там является влияние Вагнера.
Из самых почитаемых зодчих Германии можно выделить Германна Обриста, Августа Энделя.
Огромное влияние Вагнера испытали на себе итальянские мастера. Джузеппе Соммаруга творил в монументальном стиле, особенно ярко это выражено в Палаццо Кастильони.
Раймондо д"Аронко некоторое время был ориентирован на архитектуру Турции. Среди его работ много круглых зданий со сложными орнаментами и древними символами в отделке. Его проекты напоминают некие текучие формы, что придает им фантастический облик.
Особенности модерна в архитектуре Испании в том, что он основывался на возрождении культуры Каталонии. Мастеров интересовали аспекты местного художественного промысла и яркие исторические моменты, которые они стремились увековечить в своих произведениях.
В разговоре об испанском модерне всплывает имя Антонио Гауди, который был ведущим архитектором этой страны.
Гауди начинал работать в неоготическом стиле, но уже тогда отличался от прочих архитекторов. Элементы модерна видны в его ранних проектах (например, Каса Висенс). Они выражены уже в форме решеток, перил, кованых ворот.
Отец Антонио был кузнецом и многому научил своего талантливого сына. Очень часто, уже будучи матерым архитектором, Гауди многие часы проводил в кузнице, самостоятельно изготавливая металлические конструкции для своих творений.
Он предпочитал конструктивные решения. Например, почти все ворота были выполнены в форме параболических дуг. В Пале Гуэль Гауди применил облицовку стеклом и мозаикой для вентиляционных труб и дымоходов.
В основном все здания, сооруженные мастером, находятся в Барселоне. Особой популярностью у туристов пользуются обыкновенные жилые дома с немыслимыми фасадами. Они имеют волнообразную форму, облицованы глянцевой плиткой светло-голубого оттенка. Крыша тоже необычайна: черепица имеет неравномерную структуру, что делает ее похожей на чешую дракона. На здании есть несколько кованых железных балконов, своей формой напоминающих струящиеся по воде водоросли.
Самым таинственным и любимым зданием всех ценителей архитектуры является церковь Святого Семейства. История ее возведения довольно запутана. Гауди был глубоко религиозным человеком, и сооружение этой церкви лишний раз это подтверждало. Он стремился выразить все детали естественно и даже занимался изучением зоологии и биологии. Но, несмотря на полученные знания, его творение отличалось совершенно фантасмагоричными формами.
Внешние стены выступов и ниши были оформлены в готическом стиле. Восточный фасад, который был посвящен Рождеству Христову, Гауди оформлял довольно долго. Там появились фронтоны, напоминающие сталактиты, необычайной высоты башни, украшенные обломками цветной плитки.
Западный фасад был построен по эскизам мастера спустя почти тридцать лет после его смерти.
Центральная часть здания не достроена до сих пор. Работы ведутся также по наброскам великого архитектора, похороненного в крипте своего замечательного строения.
Модерн в архитектуре 20 века был не так распространен в Англии, как в других европейских странах. Точнее, существует очень мало примеров развития этого стиля. Хотя англичане и шотландцы внесли огромный вклад в формирование оформления интерьеров и их деталей.
Широкую популярность приобрел шотландец Чарли Макинтош, основной деятельностью которого было создание мебели и интерьеров.
В Глазго, где родился мастер, преобладал классический стиль в архитектуре, воплощаемый Д. Д. Барнетом, Дж. МакЛареном. Разумеется, Макинтош был ярым противником этого стиля, но вдохновлялся шотландскими крепостями и усадьбами, выполненными в так называемом баронском стиле.
В 1896 году архитектор начинает работать над проектом Школы искусств. Она построена по подобию крепости. С одной стороны фасад облицован гранитом, на нем расположены огромные окна. С другой, расположенной на склоне, - окна маленькие, как в темницах, а стены украшены мелкими неотесанными камнями.
Через несколько лет было решено пристроить библиотеку. Макинтош спроектировал и это здание. В нем гораздо ярче были выражены все принципы мастера. Например, он использовал высокие эркерные окна, а внутренняя отделка вторила традициям деревянного зодчества.
Два дома, построенных Макинтошем за пределами Глазго, попали на страницы журнала по архитектуре. Именно тогда о нем узнали в Германии и Австрии. Чарльз неоднократно участвовал в международных выставках декоративного искусства, популяризуя свои идеи.
Макинтош стал изобретателем нового декоративного стиля. Суть его в том, что геометрические элементы связываются между собой летящими линиями, идеи символизма переплетаются с классическими понятиями архитектуры. Художественные критики даже предлагали ввести понятие "макинтошизм", определяющее новое течение в искусстве.
Ведущую роль в архитектуре модерна Северной Америки играла Чикагская школа. Это было объединение серьезных художников и архитекторов. Они стремились к вертикальности линий своих зданий и их многоэтажности. Американский стиль не имел практически ничего общего с европейским.
Архитектура от модерна до конструктивизма нашла свое отражение именно в первых американских небоскребах. И хотя принято считать, что конструктивизм - это чисто советское явление, не стоит забывать, что знаменитая Эйфелева башня построена как раз по принципам этого стиля.
Ведущим архитектором американского модерна был Луис Салливен. Он специализировался на многоэтажных постройках, где металлический каркас облицовывался кирпичом.
Работа Салливена имеет большое значение даже для современного облика Чикаго, поскольку он начал свою работу после огромного пожара, уничтожившего половину строений. Его руке принадлежат: русская православная церковь, Национальный фермерский банк, особняк Брэдли и т. д.
Салливен стал первым разработчиком концепции высотного здания.
Из других видных архитекторов того периода можно выделить Данкмара Адлера, Д. Бернэма, У. Ли Барона Дженни.
Особенностями американского модерна было:
Модерн в архитектуре, фото которого все скажет без слов, определенно был самым необычным явлением в искусстве конца XIX - начала ХХ века. В Америке этот стиль получил второе название - "тиффани", по фамилии одного из главных его идеологов. Луис Тиффани был художником и дизайнером. Среди его заслуг - изобретение техники соединения стекла медной фольгой, разработка новых видов стекол, создание удивительных предметов интерьера в стиле модерн. Его витражи красуются на лучших зданиях страны. Например, в Йельском университете есть мемориальный витраж "Образование", принадлежащий руке мастера.
Несмотря на свое кратковременное воцарение в мире искусства и архитектуры, стиль модерн подарил миру много прекрасных творений. А также повлиял на дальнейшее развитие искусства как в Европе, так и в Америке. Благодаря этому стилю появилось много оригинальных находок в декоре орнамента и формообразовании строений. Индивидуальные решения архитекторов сделали модерн элитарным искусством.
Период моды на модерн в архитектуре России приходится на конец 19 - начало 20 вв. Русский модерн - стиль, который получил свое развитие благодаря появлению нового класса - буржуазии, представители которого были людьми образованными, хотя и не имели аристократического прошлого. Исследователи отмечают, что русский модерн в архитектуре представлял собой художественное направление, соответствовавшего западноевропейским версиям этого стиля, но отличавшегося своими особенностями. В декоре построек появились характерные для стиля асимметричные живописные композиции с преобладанием растительных мотивов, многоцветные мозаичные панно на сюжеты народных былин, созданных по эскизам русских художников.
Абрамцевский кружок - объединение русских деятелей искусств и ученых. Действовал в усадьбе предпринимателя и мецената С. И. Мамонтова - в Абрамцево- в 1870—1890-х гг
Русский модерн - стиль, в котором можно различить разные направления. Одно из них связано с «Абрамцевским кружком». Деятельность кружка дало начало развитию национального варианта стиля модерн. в архитектуре. Нередко архитекторы из этого сообщества обращались к историческому наследию русских мастеров, гипертрофируя национальные формы древнерусского зодчества.
Одним из образцов этого направления стала церковь Спаса Нерукотворного по проекту В. Васнецова (Виктор Михайлович Васнецов. 1848-1926гг.), В. Поленова (Василий Дмитриевич Поленов. 1844 - 1927 гг.), А. Мамонтова (Анатолий Иванович Мамонтов. 1839-1905гг.) В основе проекта был храм Спаса Нередицы, построенный в конце 12 в. около Новгорода, стилизованный авторами в духе модерна, которые объединили кубический объем здания с плавными линиями купола, добавили скошенные контрфорсы, подчеркнули гладкость стен немногими украшениями.
Зодчие, строившие в стиле русского модерна, нередко за образцы брали такие сооружения, как московский собор Василия Блаженного, ярославские храмы 17 века, украшенные изразцами. В композицию фасадов включались мозаика, изразцы, майоликовые панно, витражи. В современном строительстве продолжают использовать национальные мотивы, опираясь на традиции русского модерна.
Другое течение модерна в архитектуре России опиралось на приемы стилизации методов из разных течений европейского модерна. Случалось также, что русские мастера следовали одному из принятых европейских канонов модерна, перенимая опыт зодчих той или иной страны. в исполнении русских мастеров характеризовался причудливой орнаментацией, как, например, Казанский вокзал в Москве архитектора А. Щусева (Алексей Викторович Щусев — русский и советский архитектор. 1873- 1949 гг.) Это асимметричное, словно собранное из разных объемов сооружение, вытянуто вдоль площади. Композиция завершается копией башни Сюмбеки в Казани.
Одним из образцов стиля модерна в России является дом Перцова в Москве (архитекторы С. Малютин (Малютин Сергей Васильевич - российский художник, архитектор. 1859 - 1937 гг.), и Н. Жуков (Николай Константинович Жуков - российский, советский архитектор. 1874 - 1946 гг.)) В основание здания встроены башни с шатровыми навершиями. Стены украшены мозаичными панно, наличники окон островерхие.
Гостиница «Метрополь» в стиле модерн создана по проекту В.Ф. Валькота (Вильям Францевич Валькот - британский архитектор и художник, один из основоположников стиля модерна в России. 1874 - 1943 гг.) в стиле европейского модерна. Гостиница представляла собой здание с пластичными фасадами и полукружиями, декорированными майоликой (художники А.Я. Головин, М.А. Врубель). Сложную композицию составили башенки, трубы и беседки на крыше. Стены украшены цветными горизонтальными полосами.
Русский модерн - стиль, примером которого являются промышленные здания (типография Левинсона архитектора Ф. Шехтеля в Москве), железнодорожные вокзалы (Ярославский вокзал - архитектор Ф. Шехтель, Казанский вокзал― архитектор А. Щусев в Москве), религиозные строения (мечеть в Петербурге архитектора Ф. Васильева, церковь в Абрамцево - архитектор В. Васнецов, собор Марфо-Мариинской обители в Москве - архитектор А. Щусев), доходные дома. Стилистический диапазон модерна в архитектуре России широк и проявлялся в различных направлениях, сочетающих тенденции нового стиля не только с национальными традициями в зодчестве, но и с классикой. К примеру, в фасаде Витебского вокзала колонны дорического ордера соединяются с растительным орнаментом и открытыми металлическими конструкциями. Смешение стилей, среди которых можно различить элементы модерна, являющихся объединяющим началом, можно увидеть в зданиях магазинов торгового дома братьев Елисеевых в Москве и Петербурге, созданных зодчим Г. Барановским (Гавриила Васильевич Барановский - архитектор, инженер, искусствовед. 1860 - 1920 гг.) Характерная для здания такого типа ассиметричность отражает идею «движения изнутри наружу», свойственную модерну.
Архитектура в стиле модерн в России долгое время оценивалась критиками негативно, считалось упадочнической, теряющей чувство меры во внешнем оформлении зданий, безвкусии, что, по их мнению, создало неблагоприятное впечатление от этого стиля. Был и другой взгляд, который изложила в своей книге «Русская архитектура 1830—1910-х годов» (М., 1982 г.) Е. Кириченко (Евгения Ивановна Кириченко - историк архитектуры род. 5 января 1931 г.). Исследователь обозначила конец 19-начало 20 веков как переломный момент формообразования в архитектуре благодаря появлению нового стиля. Другие исследователи отмечали, что модерн связан с символическими образами, связывающими самые разные виды искусства через декор. Сторонники российского модерна считают, что стиль модерн в России был проникнут утонченной эстетикой, символизмом, которые переплелись со вкусами и запросами представителей класса буржуазии.
Расцвет архитектурного стиля модерн в Европе и Америке приходится на 1890-1914 годы, дальше помешала Первая мировая война. Новое направление кардинально изменило представление о прекрасном в графике, дизайне, скульптуре, музыке, балете.
Изобретательные архитекторы создавали не просто выразительные сооружения с необычным внешним и внутренним обликом, но и освоили новые материалы - бетон, сталь, стекло.
Современные проекты домов в технике модерн используют исторические элементы избирательно, отказываясь от пышного декора и чрезмерной асимметрии в пользу более рациональных решений.
Направление сформировалось в противовес эклектике, которая смешивала детали из разных стилей, зачастую не слишком умело. В период стремительного роста городов и индустриализации строительство в стиле модерн провозгласило возвращение к практичности сооружений средневековья и ренессанса.
Архитекторы удовлетворяли возросшую потребность в зданиях бирж, банков, вокзалов, промышленных предприятий и доходных домов. Новшество того времени - железобетонные конструкции, выгнутые стальные профили - дали возможность создавать сложные криволинейные фасады.
Толчком для развития послужило декоративное искусство. Немецкий художник-декоратор Герман Обрист в 1895 году создал полотно "Удар бича" (в другом переводе "Удар хлыста"). Шелковая вышивка на шерстяном панно изобразила стебель, листья и цветок цикламена в причудливом виде, напоминающем росчерк бьющего хлыста.
Природа стала источником вдохновения для архитекторов, работающих в стиле классического модерна.
Естественные силуэты растений (лилий, орхидей, ирисов, пальмовых листьев, водорослей), морских волн используют повсеместно: в росписи, масштабных мозаичных панно, лепных фризах, в дизайне фасадов, балконных решеток, дверных ручек. Причудливые витражи, выполненные в стиле модерн, изображают павлиньи хвосты, прекрасные лебединые шеи, женские локоны.
| Принцип проектирования |
В 18-19 веках предполагалось движение от внешнего облика дома к внутренней организации. Новый подход провозгласил первостепенной планировку помещений, которая в свою очередь влияла на внешние формы. Здания получают асимметричные объемы, фасады в стиле модерн насыщены эркерами, башнями, балконами и лоджиями. |
|---|---|
| Свобода творчества |
Намеренно фантазийное оформление внешнего и внутреннего убранства становится одним из популярных архитектурных решений. Яркий пример - Каса Батло испанского мастера Гауди, здесь воплощена идея победы над драконом. |
| Силуэты |
Отказ от прямых и угловатых линий в пользу более естественных приводит к текучим силуэтам и подчеркнутой декоративности. Благодаря творческому применению стали, стекла и железобетона в дизайне домов модерн отчетливо ощущается слияние естественных и рукотворных форм. |
| Цветовая гамма |
Пастельная, без явных контрастов, преобладают оливковые, серые, пыльно-сиреневые, табачные оттенки. Экстерьер и интерьер зданий существует в тесной взаимосвязи; изогнутые лестницы, перила и опоры повторяют орнаментальные линии. |
| Характерные элементы модерна |
Пышно декорированные колонны (прямые, расположенные под углом или изогнутые), оконные и дверные проемы в виде арок, сложное по структуре остекление. Мастера сочетают традиции европейского, восточного и африканского зодчества, но не слепо их копируют, а свободно интерпретируют. |
Модное течение получило несколько названий - его обозначали как "ар нуво" во Франции и Бельгии, "югендштиль" в Германии и Швеции, "модерн" в Российской империи, "сецессион" в Австрии, "тиффани" в США.
Виктор Орта первым при строительстве применил "удар бича" в оформлении фасадов и использовал несущие конструкции асимметричной формы. Архитектор обратился к приемам крупного остекления в сочетании с большим количеством металла.
Его здания в стиле модерн - знаменитые особняки Тассель, Сольвей, Эйтвельд, дом-мастерская (Музей Орта) - вошли в перечень объектов всемирного наследия ЮНЕСКО.
Эктор Гимар, ведущий архитектор периода, воплощал проекты в стиле ар нуво при оформлении городских особняков, но больше всего его запомнили по дизайну павильонов парижского метрополитена.
Созданные им объекты свободно сочетают металлические каркасы со стеклянными элементами, глазурованной керамической плиткой, кирпичом и песчаником.
Венский сецессион отличается более скромным декором и простыми, правильными геометрическими формами. В этом направлении выполнены доходный дом Майолика-хауз и здание почты в Вене (проекты Отто Вагнера). В стиле геометрического модерна работал Й. Хоффманн, использовавший вместо плавных очертаний прямые углы и прием шахматной сетки.
Яркий образец австрийской архитектуры - особняк банкира Стокле, возведенный в Брюсселе.
Каталонский зодчий Антонио Гауди создал знаменитые живописные, но не менее конструктивные постройки: Дом Батло, Дом Мила, Парк Гуэль. Его красивые дома в технике модерн - с волнообразными фасадами, керамической облицовкой, похожей на драконью чешую черепицей - привлекают туристов со всего света, как и незавершенный проект церкви Святого Семейства.
Дизайн в стиле американского модерна связан с именем Луиса Тиффани. Он изобрел технику соединения кусочков стекла с помощью медной фольги. Витражи, созданные по этой технологии, украшают здания по всей стране. Витражные окна - один из основных элементов современного модерна.
Новое течение в зодчестве охватило не только европейскую часть Российской империи, но и города Урала, Сибири. Региональные отличия проявились в этажности и выборе материалов: в столице строили многоэтажные здания из камня, в остальных местах - особняки с двумя-тремя этажами из дерева и каменным цоколем.
Стиль модерн в архитектуре России носил самобытный характер и проявился двумя главными направлениями: петербургским и московским.
Развивался под влиянием работ скандинавских мастеров Ф. Линдваля, А. Шульмана, Э. Сааринена. Выполненная в стиле модерн дача Великого князя Б.В. Романова под Царским селом стала одной из первых построек.
К примерам нового архитектурного направления относятся магазин братьев Елисеевых, дом Ф.Г. Бажанова, гостиница "Астория", доходные дома в Гатчине, Выборге, Сортвале. Из русских зодчих в этом стиле творили Н. Васильев, Г. Барановский, П. Алешин.
Основные характеристики северного модерна:
Характерный образец модернистской архитектуры Санкт-Петербурга - проект П. Сюзора на Невском проспекте: дом компании "Зингер" (сегодня здесь располагается "Дом книги").
В работе впервые использован металлический каркас, снизивший нагрузку на стены и позволивший смонтировать окна-витрины.
Новым приемом стала и крыша с остеклением над внутренними двориками, более грамотно технически была обустроена вентиляционная система. Главный фасад венчает прозрачный купол с фигурой орла - один из самых узнаваемых символов города.
Здесь отметились преимущественно частные постройки (в этом разница с петербургским направлением). Идеологию обосновали и развили в Абрамцевском кружке - объединении художников и декораторов во главе с меценатом Саввой Мамонтовым.
Возведенные в Москве здания в стиле модерн имеют характерные черты:
Классический пример дома в стиле московского модерна - особняк коллекционера С.П. Рябушинского по проекту Федора Шехтеля.
Фасады светло-желтого цвета украшены сиреневой мозаикой с ирисами. Оконные проемы сделаны разными по форме, их дополняют стальные решетки с растительным орнаментом. Шехтель разработал и интерьерную отделку дома.
В очертаниях лестниц, потолочной лепнине, напольной мозаике читается идея морской волны.
Величественные и изящные московские и петербургские особняки конца 19 - начала 20 века служат прообразом для частных домов модерн сегодня.
Архитектурное направление универсально: подходит для резиденций и небольших по площади загородных коттеджей в Москве и Подмосковье. Строения возводят из кирпича, камня, бетона, дерева, популярное решение - каркасные стальные и стеклянные конструкции.
Признаки модерна как современного стиля:
Домашнее пространство организуется рационально. Часто проекты коттеджей в концепции модерн объединяют жилую часть, гараж, хозяйственные пристройки. Одинаковая наружная отделка выполняет связующую функцию.
Уместны эркеры, множество балкончиков, застекленные террасы, чердачные помещения. Экстерьеру свойственные ажурные металлические детали: перила, оконные решетки. Для отделки цоколя хорошо подходит дикий камень, его имитация или облицовочный кирпич.
Проекты современных домов в стиле модерн весьма демократичны в плане материалов. В ход идут металл, стекло, кирпич, керамика, железобетон. Из полиуретана изготавливают оригинальный фасадный декор, в том числе копии оформления известных исторических объектов.
Другие - современное, комфортабельное жилье для натур с художественным вкусом и тягой к необычному и еще - очень наглядно демонстрируют возможности компании.
Наш опыт проектирования и и особняков позволит воплотить ваш заказ грамотно, на современном уровне технологий и с ответственностью за результат.
